Представляем знаменитую Елену Егармину, дизайнера, художника, галериста. Её творческая биография началась в 1980-х годах, как коллекционера современного искусства. Вот что пишет про Лену Людмила Улицкая: «В центре её внимания оказались первоклассные российские художники, для которых доступ на рынок был по разным причинам затруднён. Советская власть ещё диктовала идеологические установки, которые никак не соотносились с творчеством этих художников. Лена Егармина открыла в Вене (с филиалом в Москве) галерею «Каренина», в которой выставлялись художники, чьи имена сегодня вызывают лёгкую дрожь в коленках коллекционеров: Михаил Рогинский и Игорь Шелковский, Александр Древин и Надежда Удальцова, Виктор Пивоваров, Андрей Красулин и ещё целый ряд замечательных художников второго русского авангарда. Коллекционер, живущий в душе Лены, отчасти победил галериста. Она за последние двадцать лет собрала изумительные коллекции японской гравюры и кимоно, восточных тканей ручной работы, старинных и современных, коллекцию среднеазиатских халатов, винтажных шляп и сумок, шалей и набоек, и эти коллекции подтолкнули её к новой деятельности. Вещи, которые выходят их рук Лены Егарминой, из тканей ручной работы, руками сшитые, никак не соотносятся с тем, что предлагает модная индустрия. Как бывает абсолютный слух, так бывает и абсолютный вкус. Вещи, ею созданные, несут на себе отпечаток настоящего искусства. Каждое изделие, выходящие из рук Лены Егарминой, выполнено в единственном экземпляре из коллекционных тканей - конопли, шёлка, шерсти. Если эти вещи как-то соотнести с понятием моды, то скорее всего они относятся к «устойчивой моде», которая и есть мода будущего». Читайте с удовольствием!
Елена Егармина, дизайнер, галерист (Галерея «Каренина»).Лена, расскажи, как всё начиналось?
Всё началось с коллекционирования современного искусства в конце 80-х. В начале 90-х я открыла галерею в Вене. Появилась потребность постоянно улучшать свою коллекцию и по возможности помогать художникам. Лучшего пути, чем галерея, я не видела. Параллельно с этим я коллекционировала среднеазиатский старинный текстиль: сюзане и икаты. А чуть позже в моей жизни появилось японское искусство. Наряду с японскими гравюрами я собирала японские кимоно и редкие винтажные ткани из конопли и шёлка. Это стала моим новым увлечением. Разнообразные традиционные техники, высококачественное производство и ручная роспись, авангардный дизайн японских тканей вдохновили меня на создание своего творческого продукта. К сожалению или к счастью, каждое изделие выполнено в единичном экземпляре исключительно из коллекционных тканей.
Сегодня все чаще используются понятие «устойчивая мода», что означает присутствие знака качества и отсутствие дешёвой рабочей силы. Я очень рада, что имею честь творить моду на века.
Легко ли совмещать две таких сложных профессии, дизайнера и галериста?
От галереи я, конечно, не отказалась, но теперь, всё чаще совмещаю выставки современного искусства с новыми коллекциями уникальной одежды собственного производства. Это вызывает особый интерес у творческой публики, и меня это очень радует. Искусство и мода очень хорошо уживаются под одной крышей в моей галерее.
Жанры современного/традиционного искусства «перетекают» в фешн и интерьер, как по-твоему?
Конечно, начиная с первобытных времён всё изобразительное искусство «перетекает» в современный интерьерный дизайн. Я, например, черпаю свою творческую энергию в основном из японских гравюр. Они и сподвигнули меня на коллекционирование винтажных раритетных тканей, которые по какой-то причине ещё не были задействованы в производстве.
Тогда насколько сильно взаимовлияние фешн-моды и моды интерьерной?
Безусловно существует самое тесное взаимодействие между фешн-модой и интерьерной модой. Я могу использовать для бального платья ткань из бабушкиных бархатных штор, или повесить на окна кимоно. Всё зависит от креативности дизайнера. Очень часто фешн дизайнеры сами производят интерьерные ткани. Например, как это было с моим любимым модельером, художником, скульптором, интерьерным дизайнером и изобретателем Mariano Fortuny (1871-1949), который в начале 1900-х годов сам изобрёл методы текстильного крашения и печати по ткани, воспроизводя глубину, цвет и красоту старинной парчи, бархата и гобелена. Рассказывают, что его вдохновляли старые полотна мастеров эпохи Возрождения в картинных галереях Венеции, где на платьях были тщательно прорисованы узоры. До сих пор дизайнеры всего мира с удовольствием покупают ткани от Фортуни для обивки мебели, пошива портьер, подушек.
Кто сочиняет «моду» и «не моду», художники, дизайнеры, потребители?
Высокую моду сочиняет творческое начало в человеке, а потребитель - это пассивное начало в человеке. Потребитель только может принять или не принять то, что ему предлагают дизайнеры. Кстати, сам термин «кутюрье» появился в середине XIX века и был впервые использован по отношению к Charles Frederick Worth — французскому дизайнеру 19 века и создателю Высокой Моды, который впервые стал решать, как будет выглядеть сам наряд, а не клиент в нем.
